Archives de Tag: art

United Visual Artists || Always/Never


Always / Never by United Visual Artists

Powder Coated Steel, Timber, LED, Code

London – 2012

Always/Never  est le résultat de récentes recherches de UVA sur la perception du temps. L’installation une grille d’éléments pyramidaux inspirés par du cadran solaire : chaque passage à travers le temps à un rythme différent.

L’évolution des modes de lumière et d’ombre créent l’illusion d’une surface liquide; combinaisons changeantes de couleurs de la nature rappellent des moments différents de la journée.

Always/Never is the result of UVA’s recent investigations of the perception of time. The installation is a grid of pyramidal elements inspired by the sundial, each passing through time at a different rate.

Changing patterns of light and shadow create the illusion of a fluid surface; shifting combinations of colours from nature recall different times of day.

 

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Daniel Sierra || Oscillate

Daniel Sierra thesis animation done at School of Visual Arts, class of 2013, Computer Art MFA.

« Oscillate » is the title of my thesis animation done at the MFA Computer Art program in the School of Visual Arts located in New York City.

My goal with « Oscillate » was to visualize waveform patterns that evolve from the fundamental sine wave to more complex patterns, creating a mesmerizing audio-visual experience in which sight and sound work in unison to capture the viewer’s attention. — 

The concept of universal building blocks that can be assembled to form complex structures is something I find very exciting and alluring. Sound follows this concept in that any sound, for example a snare drum or a human voice, can be deconstructed as the summation of varying sine waves; hence making sine waves the building blocks of sound so to speak. This concept, which comes from the Fourier Series (named after Joseph Fourier) was the inspiration for my thesis, « Oscillate ».

Conveying this concept through the animation of sine waves proved to be ideal, as there is a certain mesmerizing quality to periodic motion. Whether in the hypnotizing swing of a pendulum or the waves of an ocean, periodic motion can often have a very relaxing and trance-inducing effect on us.

I wanted the audience to begin with the widely recognized image and sound of the sine wave, and show them how it is a building block not just for sound but also complex visual forms by changing its interpretation over the length of the piece.

Additionally this was an opportunity for me to create a song and visualize it at the same time. Being interested in the aesthetics of linking sound and visuals, this was a very exciting project for me. It gave me the chance to experience the process of creating music and visuals simultaneously as they both influence each other. At the same time I learned a lot about simulation effects, particles and procedural animation. — 

The animation was done purely in Houdini, using Houdini’s VEX language to create the tool that could generate and animate waveforms. The music was made in Reason.

The concept work took place as sketches on paper, as well as « code sketches ». I used Processing to develop a RnD tool for visualizing sine wave patterns and formations. 

When I became confident that the tool could reliably produce interesting results, I began to port it in to Houdini. Since I only started learning Houdini a few months prior, it took several iterations to land on the best way to bring it in to Houdini.

Houdini proved to be a great to tool to do this project in. Its open-ended nature and visual-coding like environment meant I could think closer to the logic of a programmer while retaining all the power and functionality of a professional 3D software package. As my piece focuses on the animation of sine functions and particle systems, I found this to be a good workflow.

 

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Démo des travaux 2012/2013 de Ma » : création visuelle, vidéo, photo, vjing

mavideoz.com

musique : Math Rosen – Je Suis l’Homme (Gulf Stream remix)

00:00 TrajectoiresAV – performance audiovisuelle
Mutek Montréal, Centre St Ambroise, FNC Montréal, FOÉ Gatineau, FICFA Moncton
00:04 Ouverture du Centre Phi
00:04 Igloofest 2013
00:05 Igloofest au CRÉ 2012
00:05 Installation Trajectoires @ Igloofest 2013
00:06 Beast
00:06 Eclipse Festival 2012
00:07 Nuit Blanche de Bande à Part 2013@ Métropolis
00:08 Photographies génératives
00:15 Moby @ C2MTL
00:19 Nuit Blanche de Bande à Part 2013 @ Métropolis
00:22 Mutek 2012
00:25 Igloofest 2012
00:29 Mutek 2013
00:34 Festival Montréal en Lumière 2012
00:36 Festival Montréal en Lumière 2013
00:38 Igloofest 2013
00:43 REcon Party 2012
00:53 Nuit Blanche 2012
01:05 Exposition photos génératives & installation interactive
01:08 Madmapper Workshop au FICFA 2012, Moncton
01:10 mini-application web sur trajectoiresav.com
01:12 TrajectoiresAV @ Mapping Festival Genève, Stereolux de Nantes, Auditorium de Bordeaux, IRL Paris
01:14 Trajectoires en 360° @ SAT, Montréal pour le REcon Party 2013
01:16 Teaser Trajectoires AV lancé en novembre 2011
01:27 Première de Trajectoires AV à Mutek 2013
01:40 Mutek 2013
01:54 Party de Noël d’Ubisoft @ SAT, Montréal

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Numbercult || Cycles 720

Cycles 720 est un séquenceur audiovisuel hybride construit avec VVVV,  Ableton Live et un patch M4L personnalisé.
Les interactions de cercles et de lignes sont déclenchées par des percussions : le rythme et le swing sont dictées par la taille, le nombre de cercles, leur degré de séparation, l’orientation et l’élasticité de chaque collision.

A propos : Numbercult est une bannière pour le travail de Craig Allan. Il explore actuellement la communication entre le son abstrait et le monde visuel en utilisant des installations audiovisuelles immersives en temps réel, des sculptures numériques interactives proche du  spectacle vivant. Il se spécialise dans la production de musique, le design sonore et  l’art génératif en temps réel pour les environnements médiatiques de grande envergure. Il a fondé le label eponymousnumbercult et a participé à l’émergence de la musique électronique sous le nom Rei Loci.

 

 

 

cyc

Cycles 720 is an hybrid visual/audio sequencer built using VVVV and Ableton Live with a custom M4L patch.

Circle/Line interactions trigger percussion: rhythm and swing are dictated by the size, number of circles, their degree of separation, orientation and elasticity of each collision.

About : Numbercult is a banner for the work of Craig Allan. He currently explore comunication between abstract sound and visual worlds. Using realtime immersive audiovisual installations, interactive digital scultptures and live performances. He specialises in music production, sound design and real-time generative graphics for large scale media environments. He founded the eponymousnumbercult record label and have released acclaimed electronic dance music on esteemed record labels around the globe under the moniker Rei Loci.

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Ma » Carassou-Maillan || Trace G1 & G2

Trace G1 © Ma » Carassou-Maillan

tirage photo 20 x 20 pouces sur papier métalique  – edition de 5 – oct 2012

 

Trace G2 © Ma » Carassou-Maillan

tirage photo 20 x 20 pouces sur papier métalique  – edition de 5 – oct 2012

Ma” Carassou-Maillan amplifie la beauté mathématique des mécanismes du code informatique jusqu’à une abstraction visuellement élégante et organique. A travers un processus répétitif de projection et de prise de photographie, Ma” génère différents patterns et mouvements qui créent des formes aléatoires ou contrôlées et laissent ainsi des traces d’objets et de lumières que le capteur de la caméra saisi à la manière d’une persistance rétinienne.

 

 

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Urban Glitch #5

Urban Glitch #5

Montréal – septembre 2012
Tirage photo 12 x 12 pouces sur papier métallique (édition de 5)
© Ma » Carassou-Maillan

Ma” baigne depuis toujours dans la musique underground : celle des villes, celle du béton, celle de la nuit, celle aussi qui a besoin de sortir du rythme effrénée de la ville. Ma” a souvent assimilée un paysage à un musique, elle y trouve une proche relation, pour elle, indisociable. Elle fige donc quelques vues d’éléments architecturaux afin de les rythmer selon sa perception. A travers des rythmes glitchys, des lignes, des courbes, de la ponctuation on découvre un univers urbain remplie de mouvements.

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Keita Onishi || Forest and Trees

[FR] Installation d’images animées et des sons qui emploient 12 cadres photo numériques. L’animation et ses effets sonores jouant à travers les haut-parleurs internes de chaque trame progressivement sont réunis pour former la musique. Ce travail sera exposé au Musée d’Art Contemporain de Tokyo. [EN] « Forest and Trees » is an installation of moving images and sounds employing 12 digital photo frames.  The animation and its sound effects playing through the internal speakers of each frame gradually come together to form music. This work will be exhibited at Museum of Contemporary Art Tokyo.

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Matthew Shlian || sculpture de papier

Matthew Shlian travaille sur l’espace  et le lien de plus en plus floue entre l’art et l’ingénierie. En tant qu’ingénieur papier,  Shlian travaille principalement dans les médias imprimés, livres d’art et de design commercial, autrement il se trouve souvent a collaborer avec une équipe de scientifiques et de chercheurs.

Ghostly fait équipe avec le photographe Ann Arbor et le vidéaste Jakob Skogheim pour produire ce court métrage qui combine entrevue et time-lapse lors de la création de plusieurs nouvelles pièces magnifiques.

Matthew Shlian works within the increasingly nebulous space between art and engineering. As a paper engineer, Shlian’s work is rooted in print media, book arts, and commercial design, though he frequently finds himself collaborating with a cadre of scientists and researchers who are just now recognizing the practical connections between paper folding and folding at microscopic and nanoscopic scales.
An MFA graduate of Cranbrook Academy, Shlian divides his time between teaching at the University of Michigan, mocking up new-fangled packaging options for billion dollar blue-chips, and creating some of the most inspiring paper art around.
Ghostly teamed up with the Ann Arbor-based photographer and videographer Jakob Skogheim, to produce this feature short, which combines interview and time-lapse footage of Shlian creating several stunning new pieces.

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Sculpture || This is not Catford

Une animation vidéo et audio de Sculpture / A video-animation and sound by Sculpture.

2012

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Mark Dorf || Axiom & Simulation

Mark Dorf, jeune artiste américain, est diplômé de Savannah College of Art and Design en 2011 avec un baccalauréat en photographie et en sculpture. Ses œuvres les plus récentes examinent la relation de l’humanité avec nos réalités numériques fabriqués et le paysage physique dans lequel nous vivons grâce à l’utilisation de la photographie et la sculpture. Avec la compréhension que tout art est basée sur la comparaison et les relations, il re-contextualise un moment et un symbole pour créer un nouveau sens à travers le milieu environnant. Mark cherche à comprendre l’humanité en tant qu’observateur dans son environnement, en utilisant la photographie comme un outil pour explorer l’habitation curieux du monde qui nous entoure.

Mark réside actuellement à Brooklyn, New York, où il crée ses images et continue à étudier les domaines de la photographie et l’art contemporain.

AXIOM ET SIMULATION examine les façons dont les humains quantifient et explorent notre environnement en comparant réalisme artistique, scientifique et numérique. Comme une culture mondiale développée, nous sommes constamment à la transformation de l’espace physique et des objets dans la pensée abstraite non physique afin d’acquérir une meilleure compréhension de la composition et du fonctionnement interne de notre environnement. Ces transformations prennent souvent la forme de l’interprétation mathématique ou scientifique. En raison de ces changements, on peut mal interpréter ou même perdre toute référence à la source : lorsque la représentation est calculée par rapport à son homologue réel, une relation arbitraire et déconnectée est créé dans lequel il y a très peu ou pas de connexion physique ou visuelle résultant dans les questions de définition. Prenez par exemple un rendu tridimensionnel d’une montagne. Tout en observant le rendu, il est titulaire d’une forme similaire à ce que nous voyons dans la nature, mais n’a pas de connexion physique à la réalité, il s’agit simplement d’un fichier sur un ordinateur qui n’a pas de masse et ne tient que s’il ressemble à un mémoire. Lors de la traduction du rendu en code binaire, on voit que 1 et 0 – la création d’un fichier de la représentation d’une langue composée de seulement deux éléments qui n’ont pas de terre dans le monde naturel. Après toutes ces transformations, une nouvelle réalité se crée – un sans référent original, une copie sans aucune source absolue. En observant ces simulations et les interprétations de notre paysage dans un contexte unique ou plan de l’image, les idées de l’exactitude, de la futilité et de l’expérience originale se posent.

AXIOM & SIMULATION examines the ways in which humans quantify and explore our surroundings by comparing artistic, scientific, and digital realism. As a developed global culture, we are constantly transforming physical space and objects into abstract non-physical thought to gain a greater understanding of composition and the inner workings of our surroundings. These transformations often take the form of mathematical or scientific interpretation. As a result of these changes, we can misinterpret or even lose all reference to the source: when the calculated representation is compared to its real counterpart, an arbitrary and disconnected relationship is created in which there is very little or no physical or visual connection resulting in questions of definition. Take for example a three-dimensional rendering of a mountainside. While observing the rendering, it holds a similar form to what we see in nature but has no physical connection to reality– it is merely a file on a computer that has no mass and only holds likeness to a memory. When translating the rendering into binary code, we see just 1’s and 0’s – a file creating the representation from a language composed of only two elements that have no grounding in the natural world. After all of these transformations, a new reality is created – one without an original referent, a copy with no absolute source. When observing these simulations and interpretations of our landscape within a single context or picture plane, ideas of accuracy, futility, and original experience arise.

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Mathieu Rivier @ ECAL || Light Form

Créé par Mathieur Rivier à l’ECAL – Ecole d’art et de design de Lausanne

Ce projet met en œuvre une structure à facettes placé sur un socle pour créer une interaction avec le contenu en le touchant. L’installation permet différentes formes de représentations et d’interactions à explorer avec un écran solide. Pour que la forme devienne une surface de visualisation multi-touch, il était nécessaire de concevoir une forme plastique thermo-formé semi-transparent qui permet la projection et la détection des doigts à l’intérieur de la structure. J’ai ensuite fait une structure en acier soudé qui soutient le système de projection et la détection de la forme. Le logiciel utilisé permet une détection avec un dispositif d’affichage qui est spécifique aux faces et leurs orientations. 

This project implements a faceted structure placed on a plinth to support the content, which permits interaction with the content by touching it. The installation allows different forms of representations and interactions to be explored with a solid display. In order for the shape to become a surface of multi-touch visualisation, it was necessary to design a shape in heat-welded semi-transparent plastic which allows the projection and detection of fingers from inside the structure. I then made a structure in welded steel which supports the system of projection and detection on the shape. 

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Yasuaki Onishi || reverse of volume RG

Yasuaki Onishi || Reverse of volume RG

Installation à la Rice Gallery, Huston, Texas

2012

Dans son installation, Reverse of volume RG, Yasuaki Onishi utilise des matériaux simples (des bâches en plastique et de la colle chaude noire) pour créer une œuvre monumentale : une forme montagneuse qui semble flotter dans l’espace. Le processus consiste en une feuille de plastique sur des boîtes de carton empilées, qui sont ensuite enlevées pour laisser seulement leurs impressions. Ce processus d’inverser la sculpture est la pensée d’Onishi sur la nature de l’espace négatif ou nul, laissés pour compte.
Onishi a voulu créer une installation qui allait changer au fur et à mesure que les visiteurs approchent, vu de l’extérieur de la gallerie vitrée, à l’intérieur de l’espace proposé. Vu à travers le verre, l’ondulation, la surface extérieure et les couches denses de brins verticaux noirs sont principalement visibles. À première vue, à l’entrée de la galerie, il semble y avoir une suspension, une masse incandescente dont la profondeur exacte est difficile à percevoir. En entrant dans la galerie, et marchant le long des murs l’installation se transforme en une ouverture aérée qui peut être traversé. Presque comme entrer dans un sanctuaire ou dans une grotte, les bâches en plastique semi-translucide et les brins vaporeux de colle noire enveloppent le spectateur dans un univers fragile, en forme de tente mouchetée d’encre noire.

Yasuaki Onishi a étudié la sculpture à l’Université de Tsukuba et Kyoto City University of Arts. Il a eu des expositions solo à travers le Japon et à l’étranger, et son travail a été inclus dans la Voie de producteur de mondes (2011), au Musée National d’Art, Osaka (NMAO). Sa plus récente exposition solo aux États-Unis était en 2012 au Marlin & Regina Miller Gallery à Kutztown en Pennsylvanie. En 2010, Onishi a été le récipiendaire d’une bourse de la Fondation Américano-Japonaise qui comprenait une résidence au Vermont Studio Centre, ainsi que d’une subvention de la Inc Pollock-Krasner Foundation de New York.

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Changi Airport Group || Kinetic Rain

Dans le cadre de travaux de rénovation de l’aéroport de Singapour,  ART + COM a été chargé de créer une installation : « Kinetic Rain » est composé de deux parties, chacune composée de 608 gouttes de pluie en aluminium léger recouvert de cuivre. Suspendus à des cordes en acier minces au-dessus des deux escaliers opposés, chaque gouttelette est déplacée de façon précise et en apparence flottante par un moteur commandé par ordinateur caché dans le plafond des salles. Les gouttes suivre une de 15 minutes, la chorégraphie de calcul conçu où les deux pièces se déplacent à l’unisson, parfois en miroir, parfois complémentaires et parfois répondre à l’autre.
Vidéo © Changi Airport Group

 

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AFFICHES BIAN 2012

Conception : Baillat Cardell & fils

260 affiches de format 24×36″ – noir et blanc

Partenaire de la Biennale Internationale d’art numérique, nous avons conçu une série de 260 posters aléatoires reprenant des images des lieux d’expositions et des éléments de la charte graphique de la BIAN. Il est possible d’apercevoir ces affiches uniques à différents endroits de la ville de Montréal.

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Layers A/V || No Hista

Performance audiovisuelle de 25 min

Montréal 2012

extrait live de la présentation lors de Sight and Sound 2012 @ Eastern Bloc

Layers is an audio/visual performance about perception and memory, with the goal of creating a choreography for a digital crowd.

Using audio-video fragments of anonymous pedestrians, Nohista confronts the public with his personal experience of the urban crowd.

Here, space and time are dissolved through tables and reassembled throughout a partition where the audio and visual material becomes an instrument, propelling the viewer into a evanescent universe.

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Mapping Festival 2012 || Exposition audiovisuelle

Exposition audiovisuelle @ Le Commun (Bâtiment d’art contemporain)
Joanie Lemercier (AntiVJ / FR) /// Eyjafallajokull
Aleksandra Dulic & Kennteh Newby (CA) /// In a thousand drops… refracted glances v2
Danny Perreault (CA) /// Flow
Pascal Dufaux (FR/CA) /// Déjà Vu
Frederik de Wilde (BE) /// Umwelt – Virutopia
Daniel Canogar (ES) /// Scanner

Video de Fabien Jupille, Linda Cavaliero, Jean Baptiste Bouleau, & Sandrane Ducimetière
Musique : Discodeine

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Monika Grzymala || AERIAL EINZELAUSSTELLUNG

Née en 1970 à Zabrze (Pologne), Monika Grzymala s‘est installée avec sa famille en République Fédérale d‘Allemagne en 1980. Elle a suivi les cours de l‘école d‘artisanat de Kaiserslautern pendant plusieurs années  pour une formation professionnelle en sculpture et restauration.  Elle a ensuite étudié la sculpture aux écoles supérieures des beaux-arts de Karlsruhe, Kassel et Hambourg. Depuis l‘an 2000, Monika Grzymala a réalisé de nombreux projets artistiques en Allemagne et à l‘étranger.

Installée à Berlin, l‘artiste décline le thème du dessin en trois dimensions selon plusieurs matériaux. Elle décrit souvent ses installations comme une ligne déroulée sur des kilomètres au cours du processus créatif. Le juré du Prix Hans Platschek 2010, Axel Hecht, qui fut aussi le fondateur et rédacteur en chef du magazine « art » pendant de nombreuses années, a écrit dans son texte de remise de prix : « Monika Grzymala sait créer un univers lyrique à partir de lignes flottantes sur des papiers fabriqués par ses soins ou mettre en scène des tourbillons chatoyants dans des salles fermées à l‘aide de bandes de couleur lumineuses, des cascades impétueuses ou des tempêtes extraordinaires. Elle a su libérer le dessin avec une souveraineté et une imagination sans précédent ou presque. »

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